Le temps passé dans un magasin a longtemps été associé à la conversion en termes de ventes, mais son rôle s’étend désormais à la mesure du lien émotionnel, de la mémoire de la marque et de la satisfaction sensorielle. En effet, lorsque les clients s’attardent, ils explorent davantage, s’engagent plus profondément et, surtout, ils ont envie de revenir.

Les détaillants reconnaissent que les gens ne veulent pas seulement des « choses » – oui, il arrive parfois que les gens se rendent dans un magasin pour acheter quelque chose de précis et repartent aussitôt – mais souvent, les acheteurs en profitent pour passer la journée et recherchent des environnements qui leur procurent des émotions.

Avant 2020, le bureau était un lieu par défaut. Aujourd’hui, c’est une destination qui a un but précis. Les employés choisissent d’y aller lorsque cet espace leur permet d’accomplir des tâches qu’ils ne peuvent pas réaliser aussi efficacement chez eux, comme la collaboration, les relations sociales, le team building et la concentration intense sans distractions domestiques.

Le temps de présence révèle quand ces besoins sont satisfaits. Par exemple, si des collègues arrivent pour une réunion et repartent immédiatement, le lieu de travail ne semble pas être adapté à un engagement continu. Si les gens s’attardent après les sessions en présentiel, pour prendre un café informel ou utiliser le bureau comme espace de réflexion, vous pouvez être sûr que l’environnement remplit sa fonction.

Au cours de la dernière décennie, les environnements ont été optimisés pour la rapidité. Des parcours numériques fluides, des transactions en un clic, des lieux de travail agiles. Pourtant, le comportement humain a changé et les consommateurs comme les collègues recherchent désormais des espaces qui leur permettent de ralentir tout en leur offrant un répit, une dimension tactile et un espace pour établir des liens authentiques.

1. Votre approche est très liée à l’architecture et à l’histoire des lieux. Comment cela influence-t-il votre travail de curation ?

Chaque espace a son identité, ses proportions, son ambiance. Mon travail consiste à écouter ces caractéristiques et à trouver les œuvres qui vont les compléter ou créer un contraste poétique. L’histoire du lieu est une source d’inspiration incroyable pour créer un dialogue riche.

2. Comment faites-vous dialoguer une œuvre avec l’identité d’une entreprise, son ADN ou son concept architectural ?

Je commence toujours par comprendre l’entreprise : sa culture, ses valeurs, son positionnement. Ensuite, je cherche des œuvres qui incarnent ces traits et qui peuvent enrichir l’expérience des collaborateurs et visiteurs, en jouant avec la lumière, la couleur, les volumes et la disposition spatiale.

3. Auriez-vous un exemple concret d’un projet où l’art a véritablement transformé la perception d’un espace ?

Par exemple, dans un projet récent pour une société innovante, nous avons créé pour leur lobby une œuvre magistrale immersive sous forme de suspension en verre et laiton où le spectateur peut ainsi se déplacer autour en perdant le contact avec le monde réel, et placer des photographies sur les murs des autres espaces. Ces oeuvres changent la perception des open spaces et des espaces de détente. Les collaborateurs commencent à interagir différemment avec leur environnement, et les visiteurs se montrent ainsi très surpris et enthousiastes.

Pour Parella, cette immersion artistique nourrit une conviction forte : l’art est un levier d’expérience et de lien.
Intégré aux environnements professionnels, il transcende la simple décoration pour devenir un vecteur d’émotion, de créativité et de performance.

Nous concevons des espaces qui s’inspirent de cette énergie : des lieux sensibles, porteurs de sens et d’identité, où l’art dialogue avec l’usage.
Car offrir à chacun un cadre inspirant, c’est aussi favoriser la rencontre, la réflexion et le bien-être au quotidien.

Paris Art Week a une nouvelle fois démontré que l’avenir de nos environnements de travail se nourrit de cette alliance essentielle entre art, design et humain.

Cette année, l’Allemagne s’est imposée comme l’un des foyers les plus dynamiques de la création contemporaine.

Les Rising Talent Awards ont mis à l’honneur sept designers prometteurs; Friedrich Gerlach, Marie Luise Stein, Moritz Walter, Haus Otto, Gerlach & Heilig, Studio Œ et Gabriel Tarmassi dont les approches explorent la durabilité, la modularité et même l’expérimentation biotechnologique. De la sculpture sur bois aux objets technologiques intégrés, leurs travaux reflètent une nouvelle génération de créateurs en quête de sens et d’impact.

Au-delà des expositions, le salon a aussi été un espace de réflexion et d’échange.
Lors d’un Talk remarqué, Amélie Pichard, accompagnée d’Omar Ghannam et d’Olivier Waché, a plaidé pour un design décloisonné, à la croisée de l’artisanat, de l’innovation, pensé pour susciter l’émotion autant que l’usage.